cinematografia

historia

La cinematografía ha sido siempre una forma de arte única para las películas de todo tipo de género. Aunque la exposición de imágenes en elementos de luz sensible se remonta a la temprana era del siglo XX, las películas pedían una nueva forma de fotografía, y nuevas técnicas estéticas. «Es plasmar una percepción en imágenes en movimiento con o sin sonido, tal vez distorsionada en la mayoría de las realizaciones cinematográficas, pero con un sentido propio y de querer dar una visión más amplia, simple o compleja de la realidad, la historia, el concepto de futuro y de la ficción.» (González Victor Raúl)

En la infancia del largometraje, el cinematógrafo ejercía también el papel de director y la persona que sostenía la cámara. Al tiempo en el que el arte y la tecnología evolucionaron, emergió una separación entre el director y el operador de cámara. Con la llegada de la luz artificial y mayor rapidez en las películas (más sensibles a la luz) y de los avances tecnológicos como la películas en color y las panorámicas, resultó que la producción de películas especialmente en algunos aspectos técnicos requerían personal cada vez más especializado. La cinematografía fue clave durante la era del cine mudo –no había sonido aparte de la música de fondo, no había diálogo– y las películas se basaban en la iluminación, la actuación y la interpretación.

En 1919 en Hollywood, se creó la nueva película capital del mundo, una de las primeras (que todavía existe) sociedades de comercio: la Sociedad Americana de Cinematógrafos(ASC), la cual permaneció para organizar la contribución de los cinematógrafos al arte y la ciencia de la creación de las películas. En otros países también se establecieron este tipo de asociaciones de comercio. La ASC define la cinematografía como «Un proceso creativo e interpretativo que culmina en la autoría de un trabajo original de arte más bien que una simple grabación de un evento físico».

La cinematografía no es una sub-categoría de la fotografía, sino que es una destreza que el cinematógrafo utiliza en adicción con otras técnicas físicas, organizativas, directivas, interpretativas y manipuladoras de la imagen para efectuar un proceso coherente.

Aspectos

Sensor de la imagen y cinematografía

La cinematografía puede empezar con roles de películas o un sensor digital de la imagen. Los avances en la producción de películas y la estructura granulada proveyeron un amplio rango de películas fotográficas disponibles. La selección de una película fotográfica fue una de las primeras decisiones tomada en la preparación de la película típica del siglo veinte.

Aparte de la selección del ancho de la película —8 mm (aficionado), 16 mm (semi-profesional), 35 mm (profesional) y 65 mm (fotografía épica que se usa pocas veces excepto puntos de reunión para eventos especiales)— el cinematógrafo tiene una selección de reservas en reversión (que cuando son reveladas crea una imagen positiva) y los formatos negativos junto con un amplio rango de velocidades de la película (la sensibilidad hasta la luz) desde ISO 50 (lento, menos sensibilidad a la luz) hasta 800 (muy rápido, extremadamente sensible a la luz) y respuestas distintas para el color (baja saturación, alta saturación) y contraste (variando los niveles entre el negro puro (no hay exposición) y el puro blanco (completa sobreexposición).

Avances y ajustes para casi todas las medidas de la película creadas, los “super” formatos donde el área de la película solía capturar un solo fotograma de una imagen expandida, aunque la medida física de la película permanezca igual. Super 8 mm, super 16 mm y super 35 mm todos utilizan más del total del área de la película para la imagen que sus no-super contrapartes “regulares”. A mayor dimensión de la película, más grande será la resolución de claridad y cualidad técnica en la imagen.

Las técnicas empleadas por el laboratorio de películas para procesar la película fotográfica puede también ofrecer una considerable discrepancia en la imagen producida. Controlando la temperatura y variando la duración en la que la película es remojada en el desarrollo de productos químicos y saltando ciertos procesos químicos, o parcialmente saltando todos ellos. Los cinematógrafos pueden lograr diferentes vistas de una sola película fotográfica en el laboratorio. Algunas técnicas que se pueden utilizar son las de revelado, bypass blanqueador y proceso cruzado.

El trabajo del siglo XXI utiliza en su totalidad cinematografía digital y no tiene películas fotográficas, pero las cámaras pueden estar ajustadas en diferentes formas que van más lejos de las habilidades de una película fotográfica en particular. Estas pueden proveer variando los grados de sensibilidad de color, el contraste de la imagen, la sensibilidad de la luz etc. Una cámara puede lograr toda la variedad de vistas de diferentes emulsiones, aunque es muy discutido como para que método de captura de la imagen es el “mejor” método. Los ajustes de la imagen digital (ISO, contraste etc.) son ejecutados estimando los mismos ajustes que tendrían lugar si una película real estuviera en uso, y así son estas vulnerables a las percepciones del diseño del sensor de las cámaras de varias películas fotográficas y los ajustes de los parámetros de la imagen.

Filtros

Los filtros, como los filtros de difusión o los filtros de efectos de color, también son ampliamente utilizados para mejorar los efectos del estado de ánimo o efectos dramáticos. La mayoría de los filtros fotográficos se componen de dos piezas de vidrio óptico pegadas entre sí con una forma de imagen o material de manipulación de la luz entre el vidrio. En el caso de los filtros de color, a menudo en medio hay un color translúcido presionado entre dos planos de vidrio óptico. Los filtros de color funcionan mediante el bloqueo de ciertas longitudes de onda que el color de la luz llega a la película. Con la película en color, esto funciona muy intuitivamente, así pues un filtro azul reduce el paso al rojo, naranja y amarillo claro y crea un tinte azul en la película. Con las fotografías en blanco y negro, los filtros de color se utilizan poco, por ejemplo un filtro de color amarillo, lo que reduce las longitudes de onda azules de la luz, puede ser utilizado para oscurecer un cielo de verano (mediante la eliminación de la luz azul de golpear la película, por tanto en gran medida subexponiendo el cielo todo azul), aunque no sea un tono de piel más humano. Algunos cineastas, como Christopher Doyle, son muy conocidos por su uso innovador de los filtros. Los filtros pueden ser utilizados en frente de la lente, o en algunos casos, detrás de la lente para diferentes efectos.

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La profundidad del campo y el enfoque

Un ejemplo de enfoque de tiro profundo se encuentra en el film Ciudadano Kane (1941): todo, incluso el sombrero en el primer plano y el muchacho (el joven Charles Foster Kane) en la distancia, se encuentran en un enfoque nítidoo. En Ciudadano Kane los directores de fotografía Gregg Toland y Orson Welles utilizan estrictas aberturas para crear profundidad de campo muy grande en las escenas, a menudo haciendo que cada detalle del primer plano y fondo se junten en un enfoque nítido. Esta práctica se conoce como la profundidad de campo. La profundidad de campo se convirtió en un dispositivo cinematográfico popular de la década de 1940 en Hollywood.

La distancia focal y la abertura del diafragma afectan a la profundidad de campo de una escena, es decir, hasta qué punto el fondo, a mediados de baja y el primer plano se representará en el “enfoque adecuado” (un solo plano exacto de la imagen está en el foco exacto) en la película o de destino de vídeo. La profundidad de campo (que no debe confundirse con la profundidad de foco) se determina por el tamaño de la apertura y la distancia focal. Una gran profundidad o profundidad de campo se genera con una apertura muy pequeña del iris y centrándose en un punto en la distancia, mientras que una menor profundidad de campo se puede lograr con una gran apertura del iris y centrándose más cerca de la lente. La profundidad de campo también se rige por el tamaño de formato. Si se considera el campo de visión y el ángulo de visión, menor será la imagen, la distancia focal debe ser más corta, como para mantener el mismo campo de visión. Entonces, cuanto menor sea la imagen, la profundidad de campo se obtendrá más, para el mismo campo de visión. Por lo tanto, tiene menos de 70mm de profundidad de campo de 35mm para un campo determinado de vista, más de 16mm a 35mm y cámaras de vídeo aún con más profundidad de campo de 16mm. Como camarógrafos tratan de emular el aspecto de película de 35mm con las cámaras digitales, este es un tema de la frustración, excesiva profundidad de campo con cámaras digitales y el uso de dispositivos ópticos adicionales para reducir esa profundidad de campo.

Hoy en día, la tendencia es un mayor enfoque superficial. Para cambiar el plano de enfoque de un objeto o personaje a otro dentro de un disparo, se conoce comúnmente como un foco de rack.

Movimientos de cámara

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La cinematografía no solo puede representar un objeto en movimiento si no que puede usar una cámara que representa el punto de vista o perspectiva de la audiencia, que se mueve durante la filmación. El movimiento juega un rol considerable en el lenguaje emocional de la filmación de imágenes y la reacción emocional de la audiencia a la acción. Las técnicas se extienden desde los movimientos más básicos del “panning” (movimiento horizontal de un punto de vista desde una posición fija; como si giraras tu cabeza de un lado a otro) y “tilting” (movimiento vertical de un punto de vista desde una posición fija; como inclinar la cabeza hacia atrás para mirar hacia el cielo y luego hacia el suelo) hasta el “dollying” (posicionando la cámara en una plataforma en movimiento para acercarse o alejarse del objeto), “tracking” (posicionando la cámara en una plataforma en movimiento para moverla hacia la izquierda y la derecha), cranning (moviendo la cámara en una posición vertical; siendo capaz de levantarla del suelo así como balancearla de un lado a otro desde una posición fija), y combinaciones de las anteriores.

Las cámaras se han llegado a montar en casi cualquier medio de transporte imaginable; la mayoría de las cámaras también pueden ser de mano, eso quiere decir que están en manos del cámara, que la mueve de una posición a otra mientras filman la acción. Las plataformas estabilizadoras se empezaron a utilizar a finales de los años 70, durante la invención de Garret Brown, conocida como “Steadicam”. La “Steadicam” es un arnés y estabilizador de brazos que se conecta con la cámara, apoyando la cámara mientras se aísla de los movimientos de quien la usa. Después de que la patente de “Steadicam” caducara a principios de los 90, muchas otras compañías comenzaron manufacturando su concepto del propio estabilizador de cámaras.

Efectos especiales

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Los primeros efectos especiales en el cine fueron creados mientras la película estaba siendo filmada. Estos empezaron a conocerse como los efectos “in-camera”. Más tarde, se desarrollaron efectos ópticos y digitales para que los editores y artistas de efectos visuales pudieran controlar el proceso manipulando la película en posproducción. Se pueden ver muchos ejemplos de efectos especiales “in-camera” en obras de Georges Méliès.

https://youtu.be/BjGuu_Skgm0